Il ritrovo delle Muse: Storia e Arte

Un'enorme pupazzata

Tue, 17 Jun 2008 16:56:32 GMT

Noi siamo come i poveri ragni, che per vivere han bisogno d’intessersi in un cantuccio la loro tela sottile, noi siamo come le povere lumache che per vivere han bisogno di portare a dosso il loro guscio fragile, e come i poveri molluschi che vogliono tutti la loro conchiglia in fondo al mare.
Siamo ragni, lumache e molluschi di una razza più nobile — passi pure — non vorremmo una ragnatela, un guscio, una conchiglia — passi pure — ma un piccolo mondo sì, e per vivere in esso e per vivere di esso.
Un ideale, un sentimento, una abitudine, una occupazione — ecco il piccolo mondo, ecco il guscio di questo lumacone, o uomo — come lo chiamano. Senza questo è impossibile la vita. Quando tu riesci a non aver più un ideale, perché osservando la vita sembra un’enorme pupazzata, senza nesso, senza spiegazione mai; quando tu non hai più un sentimento, perché sei riuscito a non stimare, a non curare più gli uomini e le cose, e ti manca perciò la abitudine, che non trovi, e l’occupazione, che sdegni — quando tu, in una parola vivrai senza la vita, penserai senza un pensiero, sentirai senza cuore — allora tu non saprai che fare: sarai un viandante senza casa, un uccello senza nido.
Io sono così. La grandezza, la fama, la gloria, non stimolano più l’anima mia. Vale forse logorarsi il cervello e lo spirito, per essere rammentato e apprezzato dagli uomini? Sciocchezze! Soffrire i tormenti dell’arte, dare il sangue delle vene, il sogno delle notti, la pace della vita — per avere in ricompensa il plauso e la lode dei vermi? Sciocchezze! Io scrivo e studio per dimenticare me stesso — per distormi dalla disperazione.
(Pirandello)

Luigi Pirandello è uno dei mei autori preferiti. Nonostante sia passato un secolo dai suoi primi romanzi, trovo che il suo stile di scrittura, la sua poetica siano estrememente attuali.

Ho incontrato in pochi libri la capacità di far riflettere sulla condizione umana, la sua estrema attenzione alla psiche umana come in romanzi quali Uno, nessuno e centomila o Il fu Mattia Pascal.

Questa che ho riportato è la lettera alla sorella Lina, nota anche come La vita come un'enorme pupazzata.

Come esseri umani abbiamo bisogno di costruire un nostro piccolo mondo dove poter trovare un'abitat dove sia possibile l'esistenza.

Per Pirandello questo non ci rende tanto diversi dai più piccoli animali della terra.

Ci inganniamo da soli creando ideali e gettandoci nello studium, nelle passioni, per dimenticare la nostra condizione.

Non si può negare questa sua verità, quest'analisi spietata ma veritiera della nostra società.

Quello che è giusto è che non bisogna in ogni caso lasciarsi sopraffare dalla miseria umana, che bisogna trovare qualcosa da fare, qualcosa utile per se stessi.

Costruire il prorpio mondo, condizione inevitabile, è quindi necessario per dimenticare i mali del mondo, per "distrarsi" dall'enorme pupazzata, dalla commedia continua in cui tutti siamo invischiati, dal teatrino sociale, fino a quando non apriamo gli occhi sul mondo e ci rendiamo conto di tutto.

A questo punto mi sorge un dubbio: è stato profetico oppure la società è stata sempre così?

Siamo solo peggiorati?

La preghiera dell'albero all'uomo

Wed, 09 Apr 2008 15:38:56 GMT

Non colpirmi con la scure, con il coltello, col martello, col sasso, col bastone, coi calci...

Non applicarmi legature di fili di ferro, nè cingermi il tronco con cerchi metallici od altri oggetti di tortura.

Non conficcarmi chiodi di sostegno per i tuoi indumenti, per i fili delle luminarie o per le corde per sciorinare i panni.

Non assicurare con chiodi al mio tronco nidi artificiali per uccelli, insegne d'osterie, cartelli indicatori di vie, di proprietà, di divieto di caccia od altro, compresi qulli portanti il mio stesso nome.

Non servirti di me come pali porta-isolatori di corrente elettrica.

Non fossare la mio tronco mensole porta-aste per bandiere o aventi altra funzione.

Non considerarmi come palo da steccato su cui fissare le assi per cintare un campo da gioco o un recinto adibito a una qualisasi manifestazione.

Non adoperarmi per attaccare il filo spinato per delimitazione di proprietà.

Non attaccarti con un capo della corda metallica del palorcio o del teleforo, nè servirti di me come paraurto o blocco di arresto al posto di arrivo della legna o delle fascine.

Non legarmi attorno al tronco la catena del cane, della capra o di altro animale domestico.

Non sfregarmi incidendo sul tronco il tuo nome, la data del tuo passaggio o altro detestabile movente di vanità.

Non scortecciarmi nè incidermi per il barbaro gusto di verer sgorgare la resina o la gomma o la linfa.

Non appoggiare contro il mio tronco corpi voluminosi e pesanti.

Non ammonticchiareintorno a me pietre, ciottoli od altro materiale.

Non lesionarmi con l'asse o la ruota del tuo carro o della tua automobile.

Non servirti dei miei rami per appendere l'altalena od altro attrezzo ginnastico.

Non prendermi per bersaglio nelle tue esercitazioni di tiro a segno e durante le tue battute di caccia.

Non scalarmi inutilmentee, se costretto, evitadi farlo con le scarpe chiodate, o, peggio, con i ramponi o conficcandomi dei pioli per servirtene da scala.

Non salire sui miei rami, per la raccolta dei frutti e dei fiori, se non sei certo che essi possano resistere.

Non adoperare ferri arrugginiti e non taglienti per potarmi.

Non tagliare mai i rami da eliminare lontano dalla base di inserzione.

Non mancare di sterilizzare i tagli chirurgici eseguiti per la potatura di grossi rami o per altro motivo utile alla mia conservazione.

Non scoprirmi le radici e, se queste fossero affioranti, evita di passarvi sopra specialmente con scarpe chiodate.

Non seppellire fra le mie radici cocci o vetri: mi potrebbero feire durante la mia crescita.

Non impiantare tende sopra lo spazio occupato dalle mie radici, perchè i picchietti potrebbero ferirmi.

Non buttare sopra la mia zona di vegetazione acidi od altri liquidi nocivi.

Non accendere fuochi nelle mie vicinanze.

Non privarmi da giovane del paletto di sostegno o di riparo.

Non farmi mancare l'acqua, il concime e lo spazio necessario al mio normale sviluppo.

Non risparmiarmi cure culturali indispensabili; difendimi dai parassiti animali e vegetali e agguerriscimi contro i danno degli agenti atmosferici.

Non alterare il mio naturale aspetto e la mia conformazione per foggiarmi a mo' di ridicolo fantoccio, di animale o d'altro.

Se, infine, con il rispetto altrui, per le mie preghiere, io avrò raggiunto la maturanza al taglio, ricordati che a mia volta non voglio essere causa di danno al mio confratello vicino ancora in via di sviluppo, rovinandolo nella caduta.

Questa preghiera è stata scritta da Raffaele Cormio, agronomo, fondatore e direttore della Civica Siloteca di Milano.

Cormio, nato a Molfetta nel 1883, si interessò fin dall'infanzia agli alberi, grazie al mestiere del padre, un costruttore navale, avendo quindi la possibilità di conoscere il legname. Dopo un soggiorno ad Hoboken, in New Jersey, iniziò a raccogliere campioni legnosi di ogni genere con un qualsiasi interesse secnoco ,storico e scientifico. Fu soprintendente del Parco e Villa Reale di Monza e fondatore e direttore della Civica SIloteca di Milano.

A Molfetta c'è l'unica siloteca del Sud.

Una preghiera accorata, chissà se qualcuno avrà ora rispetto per loro.

Parco e Villa reale di Monza

Civica Siloteca di Milano

Provocazione in scatola!

Wed, 26 Mar 2008 11:31:03 GMT

Questi giorni mi sono ritrovata a guardare un po' quelli che sono i miei coetanei e le nuove generazioni.

Non so bene cosa ho pensato, più che altro mi sono sentita spiazzata e confusa a livelli differenti: dal dodicenne che si lamenta perchè non ha ancora la ragazza, a chi trova che il mondo sia mosso dall'egoismo (un po' ricorda Schopenhauer, ma credo diventi tutto troppo filosoficamente insoluto), a chi moraleggia sugli altri, ma poi finisce con comportarsi allo stesso modo, se non peggio, oppure non offre alcuna soluzione, basta che si comporti da grillo parlante, alla mamma del ragazzo morto durante il rave party che chiede giustizia, perchè suo figlio non era uno sbandato (omette che suo figlio si è drogato di sua spontanea volontà e magari lui stesso si è procurato le pasticche, ma si sa: i genitori non conoscono i figli fuori di casa)

Credo che tutti, in un modo o nell'altro, ci consideriamo meglio degli altri per qualcosa, che sia un atteggiamento, un modo di pensare o di agire. E' tutto molto umano e questo è un bene.

Quello che non mi piace dell'umanità è che non ammette mai l'errore, non chiede mai scusa, ma se ne frega e se è nel torto spera che nessuno se ne accorga e se per caso viene fatto notare l'errore o si ripara dietro scuse e giustificazioni o fa finta di non aver capito.

Molto umano anche questo.

Fatta questa premessa, a mo' di editoriale, torno a parlare di quello che a me è più congeniale, quello che più amo e credo, almeno un po', di capirne.

Vorrei parlare di quando l'Arte si fa provocazione.

Un personaggio che è tornato alla ribalta dopo i miei studi è Piero Manzoni. Solo 30 anni di vita, ma è vissuto nella provocazione.

Che provocazioni? Bene, vi faccio esempi di sue opere e del suo modo di porsi.

Il milanese Manzoni viene educato dai Gesuiti (e qui si capisce del perche gli venga in mente di ribellarsi a quella che è la tradizione!), ma subito diventa insofferente e grazie a Lucio Fontana, che frequenta la sua famiglia, viene proiettato nel mondo dell'arte.

Ovviamente fa tutto a modo suo.

La prime opere che espone a 24 anni sono gli Achromes: grandi superfici, di solito bianche imbevute di colla e caolino. Ci saranno anche superfici fluorescenti, ma si tratta di elaborazioni successive.

Dopo queste opere "normali" passa alla vera e propria provocazione.

Ed ecco che nascono le Linee: Manzoni disegna linee di varia lunghezza e le dispone in cilindri metallici. La più lunga di 7200 m, seppellita chissà dove, in modo che il ritrovamento sia casuale.

Interessante anche il Fiato d'artista: palloncini gonfiati da lui stesso. Poi si rivolge agli esseri umani e crea le Basi magiche, dove chiunque può salire e trasformarsi in opera d'arte; inizia a firmare le sue Sculture viventi: esseri umani che si lasciano autografare.

Le ultime due serie di opere sono ovviamnete svolte in pubblico, durante le inaugurazioni di mostre.

Una di queste è veramente particolare, una delle più note: Consumazione dell'arte dinamica del pubblico divorare l'arte.

Sull'invito: Siete invitati il 21 luglio alle 19, a visitare e collaborare direttamente alla consumazione dei lavori di Piero Manzoni.

Che vuol dire?

Piero Manzoni bollì delle uova prima dell'apertura della mostra, ci lasciò sulla sua superficie una sua impronta del dito e furono offerte a chi accettò l'invito per mangiarle.

Ciò che è più noto di tutto è la Merda d'artista: 90 scatolette di latta dal peso di 30 g l'una, numerate in progressione, vendute a peso d'oro.

C'è un aneddoto in merito, non so se vero o falso, ma si racconta che siccome Piero non voleva lavorare nell'azienda di famiglia, la fabbrica della Manzotin, abbia litigato con suo padre e questi gli abbia urlato contro: "Sei solo un artista di merda!". Da lì l'idea.

C'è un'opera incompiuta: la pubblicazione di un libro intitolato "Piero Manzoni. The Life and the Works". La sua particolarità? Essere un libro dalle pagine bianche!

Muore all'età di 30 anni nel suo studio a Milano, di infarto.

Non vi sembra anche questa una provocazione?

Bagno di sangue

Tue, 12 Feb 2008 12:30:01 GMT

Il sangue fa ringiovanire.

Il sangue di giovani ragazze.

Almeno questo è quello che pensava la Contessa Elizabeth Bathory.

Una delle assassine seriali più efferate, una sorta di Dracula al femminile, ma senza la poesia di Carmilla di Le Fanu.

Originaria dell'Ungheria, non lontano da Vlad Tepes, nacque nel 1560 a Nyìrbàtor e venne allevata in Transilvania. Il suo casato era molto importante e comprendeva un cardinale, eroi e un futuro re di Polonia.

L'uso del tempo di sposarsi tra consanguinei aveva già mostrato segni di malattie mentali in famiglia, dall'epilessia alla schizofrenia.

Già da bambina mostrò primi segni di squilibrio, di sbalzi d'umore repentini.

Assistette in età infantile a metodi di tortura, come il taglio di naso e orecchie ad opera di un cugino principe per punire i malcapitati di aver fomentato la ribellione tra i contadini.

A 11 anni si fidanzò con Ferenc Nàdasdy, sette anni più grande di lei, e andò a vivere nel castello di Nádasdy di Sàvàr nell'Ungheria centrale.

Si sposarono quando lei aveva 15 anni. Ferenc era crudele e sanguinario. Una delle sue attività preferite era torturare i servi.

Suo marito era sempre al confine per combattere i turchi, così Elizabeth doveva badare al castello. Per passare il tempo si recava da una sua zia che organizzava orge.

Conobbe nello stesso periodo Dorothea Szentes, una esperta in magia nera che incoraggiò le sue tendenze sadiche. Dorothea e il suo servo Thorko insegnarono a Elizabeth la stregoneria.

La Contessa non tollerava che una serva potesse sfuggirle. Un destino crudele tocco a Pola, sua ragazza di 12 anni, che tentò di fuggire. Fu ripresa e fatta entrare in una gabbia cilindrica tanto stretta da non potersi sedere e tanto bassa da non poter stare in piedi. La gabbia fu fatta oscillate verso paletti appuntiti. Il corpo della ragazza fu così fatto a pezzi.

Lei e il marito erano affiatati per quanto riguarda la tortura. Una loro serva venne sospettata di essersi finta malata: le furono infilate tra le dita pezzi di carta imbevuti d'olio poi bruciati.

Ciò per cui è più famosa, che le ha dato il nome di Contessa Sanguinaria, è un altro tipo di pratica.

Verso i quarant'anni Elizabeth era terrorizzata dalla vecchiaia.

Un episodio la convinse di aver trovato un rimedio.

Si narra che una serva, nel pettinarla, le tirò involontariamente i capelli. Lei, infuriata, la colpì, provocandole un'emorragia. Una goccia di sangue cadde sulla sua mano e lei fu convinta che la sua pelle fosse ringiovanita, che il sangue di quella ragazza le avesse trasmesso parte della sua giovinezza.

Da quel giorno cominciò a uccidere le sue serve giovani, a dissanguarle, raccogliendo il liquido in una vasca dove si immergeva.

Cominciarono a verificarsi strani rapimenti, prima contadine, poi anche nella piccola nobiltà.

Il castello divenne una prigione nei sotterranei e le fondamenta un cimitero.

Una ragazza riuscì a fuggire e a raccontare tutto alle autorità.

Quando queste si recarono al castello trovarono il corpo di una ragazza dissanguato, un'altra ancora viva, ma letteralmente traforata in innumerevoli parti del corpo, ragazza prigioniere e 50 cadaveri.

Sui diari della Contessa si trovò un elenco di 650 nomi di vittime trascritti.

Al processo la Contessa non andò mai, non si dichiarò mai nè colpevole nè innocente.

Fu condannata ad essere murata viva nella sua camera da letto, lasciando libero un solo buco per passarle il cibo. Dopo 4 anni, nel 1614, fu trovata riversa sul pavimento, morta.

Quanto sia leggenda e quanto invece si tratti di una congiura a suo danno (la Contessa alla morte del marito nel 1607 era diventata molto potente) non è dato saperlo.

Resta che nelle tradizioni transilvane ha la stessa fama di Vlad Dracul. Viene anche considerata inventrice della Vergine di Ferro.

Molti registi hanno citato la Contessa nei loro film, alcuni videogiochi hanno fatto altrettanto e non ultimi alcuni gruppi metal.

Uno su tutti i Cradle of Filth....una loro copertina e il relativo album sono ispirati proprio a lei.

Artemisia

Wed, 19 Dec 2007 23:18:35 GMT

« Serrò la camera a chiave e dopo serrata mi buttò su la sponda del letto dandomi con una mano sul petto, mi mise un ginocchio fra le cosce ch'io non potessi serrarle et alzatomi li panni, che ci fece grandissima fatiga per alzarmeli, mi mise una mano con un fazzoletto alla gola et alla bocca acciò non gridassi e le mani quali prima mi teneva con l'altra mano mi le lasciò, havendo esso prima messo tutti doi li ginocchi tra le mie gambe et appuntendomi il membro alla natura cominciò a spingere e lo mise dentro. E li sgraffignai il viso e li strappai li capelli et avanti che lo mettesse dentro anco gli detti una stretta al membro che gli ne levai anco un pezzo di carne »

(Eva Menzio (a cura di), Artemisia Gentileschi, Lettere precedute da Atti di un processo di stupro, Milano, 2004>)

Racconto toccante quello di Artemisia Gentileschi, donna vissuta nel Seicento.

Una donna particolare, una donna pittrice.

Il padre Orazio le insegnò a dipingere, un'inclinazione migliore dei suoi fratelli, iniziò a dipingere in maniera caravaggesca: scene di grande teatralità e suggestione, caratterizzata da sfondi da tonalità brune.

La prima opera nota a diciassette anni: Susanna e i vecchioni.

Nel 1611, all'età di diciotto anni, subì una violenza sessuale ad opera di Agostino tassi, pittore che lavorava con suo padre agli affreschi delle volte del Casino delle Rose nel Palazzo Pallavicini Rospiglioni.

Il pare denunciò la violenza, non potendo "rimediare" con un matrimonio riparatore, perchè il Tassi era già sposato.

Ecco che Artemisia è costretta ad essere torturata, con lo schiacciamento delle dita, tortura che metteva a rischio le sue possibilità pittoriche, per verificare la sua sincerità.

Di buono c'è che il Tassi fu condannato a scontare una lieve condanna in carcere. Una vittoria per una donna dell'epoca, anche se fu costretta a recuperare la sua "onorabilità" contraendo matrimonio con Pierantonio Stiattesi.

Artemisia Gentileschi riuscì a recuperare la sua carriera di artista, lavorando in tutta Italia e in Inghilterra.

La sua sensualità, le sue forme piene e arrotondate, le sue tinte forti, rispetto alle tavolozze del padre Orazio e del Caravaggio, sono un segno distintivo della sua arte figurativa.

La sensualità è evidente in Danae, con la pioggia d'oro fecondatrice di Zeus, la teatralità seicentesca è lampante nella violenta raffigurazione di Giuditta e Oloferne, dove qualcuno vuole vedere una rappresentazione della sua vendetta sul Tassi, rappresentandosi nelle vesti di Giuditta. Tutto è possibile!

Certo è che, spesso, si raffigurava nelle vesti delle sue eroine o nelle sue madonne.

Artemisia è diventata una figura chiave del femminismo degli anni '70 con la sua indipendenza, la sua emancipazione, il suo identificarsi con il lavoro, il suo essere una donna libera in un'epoca durante la quale il ruolo della donna era relegato alla casa, la sua lotta contro l'uomo che l'aveva violentata.

A me piace ricordarla come una donna pittrice.

Distruzione!

Wed, 10 Oct 2007 19:22:34 GMT

Non si finisce mai di leggere brutte notizie.
Non si finisce mai di capire che niente è protetto dall'uomo.
Un animale strano, l'uomo.
Difficile seguire i suoi movimenti cerebrali, difficile classificarlo.
Quello che si può fare è attenersi ai fatti.
"Parigi, 7 ottobre 2007 - Un quadro di Claude Monet, "Le Pont d'Argenteuil" è stato "gravemente danneggiato" da alcuni sconosciuti che si sono introdotti nel Museo d'Orsay a Parigi nella notte fra sabato e domenica. Lo rende noto oggi il ministero della Cultura francese. " (fonte: Libero).
Questo è tutto, questo è il fatto.
Le domande che vengono fuori dopo aver metabolizzato questo abominio sono semplici: come hanno fatto ad entrare in uno dei musei più famosi al mondo e a danneggiare il quadro? La sorveglianza, i vigilanti, dov'erano?
Domande legittime.
Domande che non hanno risposte.
A questo punto mi chiedo cosa abbia effettivamente pensato il Ministro della Cultura francese.
Gli allarmi, continua la notizia su Libero, sono scattati mandando nel panico gli intrusi, ubriachi, che hanno danneggiato l'opera. Un taglio di dieci centimetri. Abbastanza grande da sanguinare. Anche se dubito che molti si rendano conto del danno che è stato loro fatto.

Sì, perchè tutti sono stati danneggiati da questo atto vandalico. Perchè quel quadro appartiene a tutti, all'umanità, fa parte del buono e del bello che siamo riusciti a creare.
Mi rendo conto di risultare stranamente appassionata di qualcosa che, in reatà, non ho mai visto realmente, ma è il mio amore incondizionato, quello assoluto che provo per l'arte dell'uomo a farmi scrivere in questo modo.
Quale sarebbe la giusta pena?
Difficile stabilirlo, perchè i signori che hanno violato il quadro non sono coscenti del danno che hanno perpetuato. Vorrei che, innanziutto, potessero capire. Credo sia fondamentale. Poi che lavorino per ripagare tutti del loro errore. Ci sono stati molti altri esempi di questo genere.
In Italia ricordiamo i danni alle sculture di Michelangelo, la Pietà a Roma, danneggiata nel 1972 a colpi di martello, 15 colpi di martello ad opera di uno squilibrato che dichiarava di essere Gesù Cristo, con il risultato che adesso bisogna guardare l'opera da dietro un vetro.
L'opera che ha forse subito il maggior numero di violenze è il capolavoro di Rembrandt "La ronda di notte", un olio su tela (3,63x4,37 metri). Il primo danneggiamento della Ronda risale addirittura al Settecento, quando le autorità cittadine fecero tagliare due pezzi di tela sul lato sinistro e in quello

superiore per adattare il grande quadro al muro del Municipio. Pratica molto comune, purtroppo. Collocato definitivamente al Rijksmuseum di Amsterdam, il dipinto ha subito ben tre attentati nel corso del Novecento: il primo nel 1915, quando un calzolaio disoccupato graffiò il quadro arrecandovi lievi danni; il più grave fu il secondo accaduto nel settembre 1975, per mano di un uomo armato di coltello che lacerò furiosamente la tela con tredici squarci verticali, alcuni dei quali lunghi 80 centimetri; infine il 6 aprile 1990 un olandese di 31 anni lo danneggiò per la terza volta, gettando sul dipinto dell'acido solforico. Solo i bravi restauratori del museo olandese sono riusciti a riportare, dopo anni di scrupoloso lavoro, a una buona resa "La ronda di Notte", ormai custodita in una teca di vetro infrangibile e a prova di proiettile. Rubata, quindi, a tutti.
Per continuare un elenco: nel marzo del 1983, ad Atene, un uomo getta del liquido diluente su "La femme che lit" di Pablo Picasso, rovinandolo irreparabilmente; a Leningrado alcuni sconosciuti danneggiano, nel giugno del 1985, "La Danae", un capolavoro di Rembrandt del 1636, custodito nel museo dell'Hermitage. Nel marzo 1986, al Prado di Madrid, uno squilibrato produce un ampio buco al quadro di Raffaello "Il cardinale", un olio su tavola 79x61 cm. del 1510; al museo di Monaco, Hans Joachim Bohlmann rovina con l'acido solforico tre dipinti di Albrect Durer. Il 24 gennaio 1989 a Roma un uomo su una sedia a rotelle, Thomas Lange, entra nella pinacoteca dei Musei vaticani, si avvicina al capolavoro di Raffaello "Madonna di Foligno" e vi getta sopra del liquido infiammabile, poi tenta con l'accendino di dare fuoco al quadro che sarebbe andato distrutto se i custodi non fossero intervenuti tempestivamente a spegnere l'incendio. Nel giugno 1990 alcuni vandali in visita ad una mostra italiana di pittori impressionisti rovinano sei quadri, fra cui una "Natura morta" di Monet. A Firenze, nel 1991, nella Galleria dell'Accademia, un folle colpisce con un martello il "David" di Michelangelo, distruggendo un dito del piede sinistro. Nell'estate del 1993, lo squilibrato Maurizio Pasquino, entrando nella chiesa padovana degli Ermitani con una strana bomboletta in mano, spruzza dello spray rosso sull'affresco di Andrea Mantegna raffigurante "Il trasporto del corpo di San Cristoforo". Nel 1998 tre capolavori di Matisse, "La giapponese", "Pianista e giocatori di dama". "Zorah in piedi", vennero bucati con una matita da alcuni studenti in visita didattica in una pubblica mostra romana. (fonte: Il collezionista in)
Non si possono giustificare queste manifestazioni vandaliche riducendole alla Sindrome di Stendhal, sarebbe una vera offesa.
La bellezza non può essere distrutta così.

Un lutto nel cuore per tutto questo.

La dama di Shalott

Wed, 29 Aug 2007 11:26:59 GMT

Cercando un po' in giro ho trovato alcune leggende sulla dama di Shalott.

Storia romantica, facente parte del ciclo di Camelot.

Ne esitono diverse leggende a cui si sono ispirati i pittori preraffaelliti e anche il poeta Tennyson, che ha dato un oridine, una struttura unitaria a quello che può definirsi un poema, una leggenda popolare.

La dama di Shalott è collegata alle leggende arturiane.

Poco lontano da questo regno leggendario sorgeva la rocca di Shalott su un isola nel fiume Avon che attraversa proprio la città di Re Artù.

Nella rocca viveva la Dama di Shalott (vero nome Elaine di Astolat). Si diceva fosse una maga bellissima. Aveva passato tutti i suoi 22 anni chiusa nella torre più alta del castello, quella che dava verso Camelot, intenta alla tessitura. Infatti non era mai uscita dalla sua torre. Questo perchè su di lei pesava una maledizione: il giorno che avrebbe guardato fuori dalla finestra verso Camelot o fosse uscita dalla sua rocca sarebbe morta.

Per questa ragione passava le sue giornate in solitudine (sua madre era morta nel darla alla luce e suo padre era morto in guerra).

L'arte della tessitura era il suo passatempo. Grazie ad uno specchio magico poteva vedere cosa accadeva fuori dalla torre e ne tessava le immagini in splendidi arazzi che narravano quindi le vicende del mondo.

L'unica persona che nonosceva la verità e le sue origini era la balia Isotta.

A lanciare la maledizione sulla fanciulla, prima che nascesse, era stata Morgana, sorella di Artù e gravida del loro figlio Mordred. Al momento del concepimento incestuoso aveva avuto una visione: vide Lancillotto invaghirsi di Ginevra, moglie di Artù, poi a distanza di qualche tempo avrebbe incontrato la dama di Shalott e si sarebbe innamorato di lei, l'avrebbe sposata salvando il matrimonio di Ginevra e Artù. In questo modo lei e suo figlio non avrebbero mai potuto regnare su Camelot.

Di conseguenza per proteggere i suoi progetti di potere lanciò questa maledizione sulla madre della dama al nono mese di gravidanza:

"Tua figlia sia maledetta, Lady Maere, che ella non possa mai guardare il mondo dalla sua finestra e che non possa mai uscire dalla rocca o il prezzo sarà una morte atroce. Io Morgana Pendragon, figlia di Ygrajne, la maledico ora nel tuo grembo affinché la vita che porto nel mio, ne sia pegno. Nulla potrà spezzare questa maledizione e per il nome di tua figlia io ti proibisco di parlare con chiunque di quanto hai sentito oggi e gli dei mi siano testimoni."

La visione di Morgana si avverò: Lancillotto divenne il campione di Ginevra e se ne innamorò.

Un giorno, mentre il cavaliere tornava verso Camelot dopo essersene allontanato per mantenere segeto il suo amore per la regina, passò per la prima volta sotto la rocca di Shalott.

Lo specchio della dama rilflettè la sua immagine. Lei se ne innamorò all'istante e si voltò per guardare con i suoi occhi il cavaliere. Anche Lancillotto la guardò, ma la dama di Shalott capì che il cuore di lui sarebbe sempre appartenuto a Ginevra e che il suo amore non avrebbe mai avuto speranza. La maledizione si avverò. Lo specchio si ruppe e lei seppe che era giunta la sua ora.

Riferì alla balia che aveva sfidato la maledizione per amore di un uomo e la sera stessa decise di andare via, il più lontano possibile da quell'uomo. Fuggì su una barca, scese il fiume Avon e scomparì dalla vista di tutti.

Tennyson riferisce che il fiume passando per Camelot trasportò la barca con il corpo esanime della dama di Shalott e Lancillotto, vedendola, rese omaggio con la corte ad una dama così bella.

Prima di Raffaello

Mon, 27 Aug 2007 15:25:12 GMT

Buon pomeriggio a tutti.

Da poco ho ripreso a studiare, ma questo non impedisce il dedicarmi a questo blog che ormai ha preso un andamento tutto particolare.

Prima che torni ai mie libri, vorrei parlare di una corrente artistica breve, del XIX secolo.

Si tratta di una corrente artistica dell'Epoca Vittoriana, nata da una confraternita; si sviluppò e si esaurì nel giro di poco tempo in Gran Bretagna.

Nelle forme può essere in parte collegata allo Stile Liberty, nelle peculiarità al Simbolismo, ma resta una delle espressioni del Decadentismo poetico (ricordiamo D'Annunzio in Italia, con una delle poesie che preferisco, La pioggia nel pineto o ancora meglio Oscar Wilde con la sua opera teatrale in francese Salomè).

I Preraffaelliti fanno riferimento ai predecessori di Raffaello Sanzio per la loro freschezza, la loro libertà dalle regole accademiche. Ebbero fortuna a partire dalla metà del XIX secolo, ma specialemtne in patria, nel resto d'Europa, dopo un'iniziale successo, furono dimenticati gradialmente. Oggi conservano importanza solo nel Paese d'origine.

I temi che affrontarono Dante Gabriel Rossetti, William Hunt, Ford Madox Brown, John Everett Millais, William Morris, Edward Burne-Jones ed il tardivo John William Waterhouse recuperavano questioni sociali, uno su tutti il lavoro.

Si occuparono di temi medievali, come le leggende arturiane e la dama di Shalott e figure di donne del Rinascimento italiano come Beatrice amata da Dante Alighieri.

Ai essi si possono aggiungere i dipinti di ispirazione shakespeariana: vengono riprese le tragedie di Amleto, Re Liar e Macbeth. Impoertante e di forte ispirazione anche qui le figure di donna, come Ofelia dipinta da Millais.

Rossetti affronta anche temi biblici ed evangelici, come l'Annunciazione. Ci sono anche temi nazionalisti e ovviamente pittura di paesaggio. Scorci sono visibili anche in altre opere, data la grande capacità di genstire i particolari e i colori.

Il mio preferito del preraffaelliti è senza dubbio colui che ha dato maggiore impronata alla corrente, cha ha influenzato gli artisti più giovani del movimento è Dante Gabiel Rossetti. Di origine italiana, traduttore della Divina Commedia di Dante e poeta. Sposerà la modella dell'Ofelia, Elizabeth Siddal, e sarà lei a iniziare identificazione dell'ideale di femminilità poi sviluooato grazie ad altre modelle.

I suoi capelli rossi saranno la costante di molti dipinti del marito per il quale conrinuerà a fare da modella.

La Venere Verticordia è un esemplare paricolarmente raffinato, ma forse l'opera più conosciuta è l'Astarte Syriaca.

Un'opera più delineata è Persefone, con i suoi capelli scuri come la terra e lo sguardo perso nel vuoto. I dettagli della veste sono sorprendenti e la delicatezza delle sue mani particolarmente suggestiva.

Resta di questi dipinti una incomprensione dovuta forse alle innovazioni in campo pittorico che avverranno nello stesso periodo: in Francia esporranno gli impressionisti che porteranno ad una grande svolta nel mondo dell'arte, offuscando il romanticismo, il decadentismo, l'attenzione al gotico di questi dipinti.

Sensualità - Antonio Canova

Wed, 08 Aug 2007 20:53:12 GMT

Ultimamente sono immersa mentalmente nella mia passione.

Rimando spesso lo sguardo indietro, nemmeno poi così indietro, per ricordare sensazioni ormai passate.

Non si possono riportare in vita emozioni con stessa intensità della loro nascita. Questo lo so. Ma di certo si possono creare dei surrogati di esse. Non è una bella trovata, ma a volte è l'unico modo per rivivere alcuni momenti.

Vi ho già informato, che vi piaccia o meno, della mia visita alla Galleria Borghese a Roma.

La scorsa volta ho argomentato uno dei quadri del Correggio che per me aveva una perfezione praticamente celestiale ed esprimeva una sensualità impressionante.

Mi mantengo sullo stesso tema.

Forse per dimostrare quanto possa essere sottile quest'arte.

Forse per mostrare che il sottointeso è molto meglio dell'esplicito.

Una mia convinzione.

L'opera in questione è molto famosa ed è simbolo quasi della Galleria. Opera di un importante scultore italiano, in marmo bianco di Carrara, Paolina Borghese. Tutti conoscono questa scultura dell'artista neoclassico.

Paolina è rappresentata come Venere vincitrice: il pomo d'oro nella mano sinistra, evocando il giudizio di Paride, e la destra a sostegno del capo con acconciatura di stile classico. Un bracciale, che costituisce un vezzo di femminilità frivola, decora il braccio in evidenza. Un panno la copre dalla vita in giù. Seno scoperto. Voluttuosa.

Pochi sanno che originariamente la scultura era posta su un meccanismo che le permetteva di ruotare.

Bene.

Il meccanismo non è più stato utilizzato. Ora bisogna ruotare personalmente per poter ammirare la statua, proprio perchè è importante guardarla in tutte le sue sfacettature, da tutti i punti di vista.

Ce n'è una che amo particolramente e che recupera la sensualità che cerco.

La schiena di Paolina.

Non credo ci sia nulla di più sensuale. Molto meglio che guardarla d'avanti, il retro ha il suo fascino particolare, specie se, provate a immaginarlo, la scultura, resa liscia dalla cera, è guardata a lume di candela.

Parrebbe di entrare nell'intimo di una dea.

Canova era abile nel rendere la delicatezza nelle sue sculture. Abbandona quell'eccesso scenografico del Barocco. Evidente nelle Tre Grazie o in Amore e Psiche.

Anche quando tutto diventa più cruento, immaginiamo Perseo trionfante con la testa di Medusa, finendo qui in un tema classico ma anche con risvolti barocchi, la lavorazione delle superfici è estremamente delicata.

Insomma, non so quanto possa affascinarvi il candore della schiena di Paolina, il suo essere liscia ed emanare una strana sensazione che trascende la morbidezza.

Io ve la lascio così.

Vestigia medievali

Tue, 31 Jul 2007 09:53:16 GMT

Oggi è una bella giornata.

Inizio a parlare del tempo come le più adorabili zitelle!

Passatemela.

Questi momenti mi ricordano che l'state non è la mia stagione preferita.

Ma lasciando perdere queste preferenze superabili, mi è tornato in mente il mio viaggio alla scoperta dell'antica Siponto.

Nelle Puglie, con la cornice del Gargano alle spalle (ormai andato in fumo letteralmente), fu fondata Siponto, si narra dal figlio dell'eroe omerico Diomede, che portava lo stesso nome.

A parte i ricami leggendari, fu di certo un villaggio di Dauni, popolazione che stanziava nei pressi del Gargano. Girando tra le sue bellezze è possibile ancora scorgere le tombe dei Dauni, che questa foto spiega meglio di qualsiasi descrizione.

Tombe a fossa, per dare un termine tecnico.

Come molte città della Puglia cadde in mano a varie dominazioni. Fece parte della Magna Grecia, conquistata da Alessandro I re dell'Epiro e infine ai Romani.

Seguì le vicende storiche pugliesi cadendo per alcuni anni nelle mani dei Saraceni e infine in quelle dei Normanni, che crearono una delle loro contee in quella zona.

Dopo quest'ultima conquista nel XI sec, passò per vie matrimoniali agli Svevi.

L'ultima Altavilla, Costanza, sposò il figlio di Federico I Barbarossa, Enrico VI (la storia a volte è stata impietosa con lui, perchè spesso, qui in Puglia, non ha un minimo di considerazione, ma, per intenderci, fu proprio lui a catturare, a ritorno delle Crociate, Riccardo Cuor di Leone e a farsi pagare un riscatto di 100,000 sterline, pari a 36 tonnellate d'argento.....un dolce imperatore!).

Da questa unione nacque lo Stupor Mundi Federico II di Svevia, conosciutissimo in Puglia.

Ma non fu lui ad avere importanza per Siponto, ma suo figlio Manfredi, figlio illegittimo che prese il potere.

Sipinto nel 1223 fu scossa da un violento terremoto. Altre fonti parlano di un maremoto che sommerse gran parte dell città. Di conseguenza Manfredi fece ricostruire le case in una nuova posizione, fondando al città di Manfredonia.

Dove sorgeva l'antica Siponto si formò una palude, bonificata negli anni Trenta dal regime Fascista, creando campi coltivabili e il lido di Siponto.

Io ho scavato proprio l'antico villaggio medievale, nei pressi di Santa Maria di Siponto, visibile sulla strada verso Manfredonia.

Credo sia d'obbligo chiarire cosa sia uno scavo archeologico.

In molti, erroneamente, pensano e credono che uno scavo archeologico porti alla luce tesori, forse anche oro e gioielli.

In realtà non è proprio così, innanzitutto perchè non si parla affatto di forzieri dei pirati ricchi di cianfrusaglie varie, forse anche preziose.

Il lavoro di un archeologo può essere anche noioso da un certo punto di vista, di certo stancante. Ore passate accovacciati come delle galline alla cova non sono mai state la mia massima aspirazione, specie dopo che Spielberg ci ha educati a considerare l'archeologo come un grande avventuriero!

Questo era vero nell'Ottocento: l'archoeologo, specie in Egitto o in Grecia, supervisionava le operazioni portate avanti da operai. Tutto qui.

Ciò che è prezioso sono le tracce di un passato abbastanza lontano, che a Siponto si fermano al XIII secolo.

Si scava col lentezza, si ragiona sulle relazioni temporali, ma anche per identificare la ricchezza del luogo a livello industriale (anche se non è la parola appropriata) e commerciale. Si scopre così la storia di un luogo.

Per uno storico dell'arte, titolo del quale mi fregio indebitamente perchè la laurea è ancora lontana, un'esperienza archeologica credo sia importante per non fossilizzarsi troppo sul pregio artistico e puntare anche su altre peculiarità, per apprezzare le lavorazioni locali anche di epoche successive a quelle medievali.

Non abbiamo avuto mai chiese affrescate da Michelangelo, non abbiamo mai vissuto in modo pregnante le grandi esperienze barocche, ma abbiamo avuto qualche buon esecutore che merita rispetto.

Dopo avervi annoiato vi saluto.

Da gran dama medievale quale sono.

Impressioni

Wed, 18 Jul 2007 21:38:28 GMT

E' un po' che non scrivo in questo blog.

E' un po' che non scrivo affatto.

La scusa degli impegni è patetica e non ho molta voglia di usarla. Per alcuni versi è la verità, per altri...sono del parere che, se si vuol fare qualcosa, nulla impedisce un'azione.

Di avvenimenti ne son capitati parecchi: belli, brutti, affascinanti, interessanti, noiosi e inutili. E' la vita!

Innanzitutto mi sembra giusto fare il punto su una mostra, ormai conclusa. Se vi aspettate dei suggerimenti per cosa vedere o no, vi sbagliate di grosso: non sono capace di avvisare in tempo nessuno, quindi limitatevi a commentare la mia opinione o a dire la vostra se avete preso visione delle mie proposte autonomamente.

Forse sono stata brutale, ma sono sincera.

Nella vicina Barletta, nel Palazzo Marra, dove è sita la Pinacoteca Comunale "Giuseppe De Nittis", si è tenuta una mostra di dipinti, disegni, pastelli e grafiche di tre artisti impressionisti, organizzata dalla coperativa Arthemisia.

Il titolo della mostra era: Zandomeneghi De Nittis Renoir I pittori della felicità.

Visti i nomi in cartellone, nomi famosi e di certo interessanti, sono stata delusa dalla scelta delle opere e dalle scelte espositive di una coperativa che ho imparato ad aprezzare nelle attività nella mostra dedicata a San Nicola.

Credo che i più conoscano Renoir e la maggior parte dei pugliesi abbia qualche notizia su De Nittis.

Non lascio nulla al caso.

Renoir:

Nato a Limoges, in Francia, da Leonard e Marguerite, entrambi sarti, visse dall'età di tre anni a Parigi: nonostante l'interesse per la musica, il padre lo indirizzò alla decorazione della porcellana.

Grazie all'aiuto del maestro Charles Gleyre, fu ammesso nel 1862 all'Ecole des Beaux-Artes: qui conobbe Alfred Sisley, Frédéric Bazille e Claude Monet, con i quali iniziò presto a recarsi a Fontainebleau per dipingere en plein air.

Grazie a Esmeralda che danza, nel 1864 fu ammesso al Salon: nonostante le successive commissioni ricevute, non era però in grado di mantenersi autonomamente.

Nel 1870 partecipò al conflitto franco–prussiano, alla fine del quale, due anni dopo, raggiunse l'amico Monet ad Argenteuil.

Nel 1873 insieme ad altri pittori creò la Società anonima cooperativa di artisti, pittori, scultori, incisori, etc. che nel 1874 organizzò la prima esposizione degli impressionisti presso lo studio del fotografo Nadar.

Tra il 1874 ed il 1877, pur in difficoltà economiche, si dedicò assiduamente alla pittura: risalgono a questi anni alcuni tra i suoi capolavori, come Bal au Moulin de la Galette e Nudo al sole.

Risollevate le sue finanze, grazie alla vendita delle sue opere, nel 1881 viaggiò in Algeria e in Italia: qui rimase colpito dai dipinti di Raffaello e dagli affreschi di Pompei.

Nel 1890 sposò Aline Chariget, conosciuta dieci anni addietro: da lei aveva già avuto un figlio, Pierre, e, dopo il matrimonio, ne ebber altri due, Jean (1894) e Claude (1901). Nel 1900 venne insignito del titolo di Cavaliere della Legion d'Onore.

A causa dei frequenti attacchi di reumatismi, si trasferì nel sud della Francia, per trovare un clima più mite: la sua ultima residenza, a Cagnes-sur-Mer, è ora un museo. Per l'aggravarsi delle sue condizioni, fu costretto alla sedia a rotelle: continuò tuttavia a dipingere, facendosi legare un pennello alla mano più ferma.

Morì a 78 anni in seguito a una polmonite: aveva appena terminato Le bagnanti.

De Nittis:

Nato a Barletta nel 1846, De Nittis, dopo il suo apprendistato presso il pittore barlettano Giovanni Battista Calò, si iscrive nel 1860 all'Istituto di Belle Arti di Napoli dove quattro anni più tardi fonderà la "Scuola di Resina". Nel 1867 si trasferisce a Parigi dove conosce Meissonier e Gérome e sposerà due anni più tardi Léontine Lucile Gruvelle, che influenzerà notevolmente le scelte sociali ed artistiche del marito. Toccò il culmine della sua fama all'Esposizione Universale di Parigi del 1878 dove espose undici delle sue tele. Morì nel 1884 a Saint-Germain-en-Laye colpito da una fulminante congestione cerebrale.

Zandomeneghi:

Figlio dello scultore Pietro, studia prima all'Accademia di Belle Arti di Venezia e poi a quella di Milano.

Nel 1860 parte per raggiungere Garibaldi nell'impresa dei Mille.

Nel 1862 è a Firenze dove entra in contatto con gli esponenti della cultura pittorica macchiaiola, tra cui Signorini, Fattori, Lega.

Nel 1866 è di nuovo con Garibaldi per la terza guerra d'indipendenza.

Tra il 1866 e il 1874 viaggia tra Firenze, Venezia e Roma. Le sue opere di questo periodo risentono dell'intonazione realistica toscana, fondendo la tecnica della macchia con il senso cromatico veneto.

Nel 1874 parte improvvisamente e senza un programma per Parigi. È l'anno della nascita dell'Impressionismo, con l'esposizione degli "indipendenti" rifiutati al Salon nello studio del fotografo Nadar.

Nel 1878 inizia l'attività di disegnatore di moda, dopo i primi tentativi, infruttuosi, di entrare in contatto con i mercanti parigini.

Nel 1879 espone per la prima volta assieme agli impressionisti.

Nel 1886 soggiorna con il pittore impressionista Armand Guillaumin nella valle della Chevreuse, dipingendo paesaggi en plein air.

Nel 1888 è nella sezione italiana dell'Esposizione Universale di Parigi.

Nel 1893 espone presso Durand-Ruel che diventerà il suo mercante.

Nel 1908 partecipa alla mostra "La comédie humaine" alla galleria Georges Petit, insieme a Forain, Van Dongen, Raffaëlli.

Nel 1914 la Biennale di Venezia gli allestisce un’esposizione che non riscuote successo presso la critica moderna.

Nel 1917 Zandomeneghi viene trovato morto ai piedi del proprio letto, nello stesso anno in cui muore il grande amico Edgar Degas.

Lo studio viene smantellato, le opere sue e di altri artisti (Fattori, Lega, Signorini) sono mandate all’asta per pochi soldi.

Dopo questo escursus biografico (se vi ho annoiato chiedo scusa, ma trove necessario inquadrare storicamente e biograficamente ogni personaggio di cui parlo).

Sinceramente non ho apprezzato molto la mostra e non ho apprezzato la scelta di porre come sottotitolo "I pittori della felicità". Non riesco a capire cosa ci sia di felice nell'Impressionismo: questo movimento sposta il protagonista dell'arte dal oggetto dipinto al soggetto operante, al pittore che imprime sulla tela una propria interpretazione della realtà, senza definire i contorni delle forme, lasciandosi guidare dall'istinto e dalle emozioni, che non si riducono alla felicità.

Osservando molti dipinti impressionisti è facile incontrare sentimenti come la nostalgia, la malinconia o incontrare individui con lo sguardo perso nel vuoto alla ricerca di qualcosa fuori o dentro di sè.

A parte questa considerazione (può darsi che gli organizzatori della mostra abbiano avuto altro intendimento, che, decreto, non è stato affatto capito per errori di comunicazione!), l'organizzazione spaziale non era esattamente definita.

Le opere erano divise per tematiche, ma l'ampiezza delle sale non permetteva questo tipo di divisione: molto spesso la tematica di una sala era sviluppata per metà anche nella sala successiva, in teoria destinata ad altro. Questo rompeva la comprensione complessiva, spezzava la membrana d'involucro di ogni contenuto sviluppato.

Forse sono dura con questo tipo di considerazioni, ma aggiungo anche che Zandomeneghi non mi trasmetteva assolutamente niente. Che gli impressionisti affrontavano a volte le stesse tematiche è risaputo, ma non tutte le tematiche non possono essere affrontate da ogni artista. Parlo in particolare delle ballerine, care a Degas, che solo lui rendeva leggere e impalpabili. Zandomeneghi le rendeva ancorate al terreno.

Renoir era uno specchietto per allodole: troppo poco e troppo male rappresentato.

Nota di merito: la Pinacoteca Giuseppe De Nittis si trova nello stesso palazzo e merita una visita!